The Beatles: Sgt. Peepers Lonely Hearts Club Band. Una Obra Bisagra Para La Música Contemporánea

1. Justificación

“That the singer's going to sing a song

And he wants you all to sing along

So let me introduce to you

The one and only Billy Shears

And Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ”

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

The Beatles, 1967

De esta manera tan jocosa introducían The Beatles a sus alter egos, los miembros inventados por ellos mismos que formaban la Banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta.

Estamos en 1967 y este sería el noveno disco de estudio de The Beatles. Curiosamente el número nueve era el número de la suerte de John y Yoko, los cuales se conocieron justamente un 9 de noviembre (en 1966). La superstición de ese número le siguió durante muchos de los eventos de su vida, nació un 9 de octubre, igual que su hijo Sean, el primer contrato de The Beatles fue un 9 de mayo de 1962 e incluso murió un 9, el 9 de diciembre de 1980 (realmente fue un 8 en New York pero en Londres ya era 9). Ellos creían en la magia de los números, pensaban que los números les podían decir algo del futuro y basaban muchas de sus opiniones en esa información.

Por eso, este nuevo trabajo, el que hacía el noveno en una carrera llena de éxitos no podía ser algo trivial; y no lo fue, de hecho se convirtió en un antes y un después en la historia de la música popularmente conocida como Pop.

Las razones que lo llevaron a ser una obra bisagra de este tipo de música son múltiples y variadas. En este primer apartado trataré de dar una descripción de, al menos, las principales.

♫ En primer lugar es un disco precursor de técnicas de grabación y composición. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales. En la grabación también surgieron cosas nuevas, como el invento de la Direct Injection: antes del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, los grupos grababan directamente con un micrófono el sonido de los instrumentos, con la Direct Injection, los Beatles conectaron directamente las guitarras a las cajas de grabación. En su grabación se emplearon más de 700 horas de trabajo y su costo sobrepasó considerablemente cualquier producción anterior.

♫ La idea de disco-concepto, es la forma que tuvieron The Beatles de convertirse en una grupo de rock dentro de un disco de otro grupo que experimentaba con nuevos sonidos en la que el grupo se convierte en otra banda, una especie de alt-band, que realizará el show durante todo el disco, en la que todas las canciones están unidas y casi no tienen separación entre unas y otras, fue algo muy novedoso para la época. Fue considerado incluso como la primera ópera – rock de la historia. De hecho, realmente la primera ópera – rock de la historia vería la luz un año después gracias a los británicos The Pretty Things, como veremos más adelante (véase el punto 4. Consecuencias)

♫ Fue el primer álbum que incluyó las letras de las canciones en la cubierta, lo que ocasionó una protesta por parte de la discográfica, ya que así, las letras no podrían venderse de manera independiente. Sin embargo, ya que The Beatles habían escrito todas las canciones, la compañía EMI no pudo hacer mucho al respecto. La funda del álbum incluía un juego de recortables de cartón: un bigote, galones de sargento, dos insignias, una tarjeta y un recortable de sobremesa con los Beatles como banda del Sgt. Pepper.

♫ Sgt. Pepper no destacó sólo por su música, sino también por el concepto y el diseño de la portada, diseñada por el artista pop Peter Blake. Paul McCartney se empeñó en que Sgt. Peppers era una gran obra artística y por tanto insistió en que la portada del álbum debía de ser digna de su contenido. El concepto de ésta era sencillo: se presentó a The Beatles como una banda dentro de otra banda, ofreciendo un concierto, tal vez en un parque, vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres. Blake les pidió sugerencias a cada uno de ellos. John quiso incluir a Jesús, a Ghandi y, en una actitud cínica, a Hitler. Sin embargo, habían pasado pocos meses desde la famosa frase, hecha por él, en la cual afirmaba que « los Beatles eran más populares que Jesús », y se decidió que era mejor no incluirlo. George sugirió a algunos maestros y sabios de la India. Ringo no tuvo interés en sugerir a alguien. Robert Fraser y Blake también sugirieron personalidades como Marilyn Monroe, Bob Dylan, Cassius Clay, D.H. Lawrence y hasta Shirley Temple. El rostro del actor mexicano Germán Valdés "Tin Tan" aparecería en la portada, pero se negó a última hora, enviando en su lugar un árbol de la vida de Metepec (planta tradicional mexicana) que aparece en un extremo de la fotografía. Brian Epstein, manager de los Beatles, al igual que la compañía de discos, se opusieron a esta portada por miedo a posibles pleitos, por temor a posibles demandas ya que muchas de las personas que aparecían en la portada continuaban vivas en ese momento. Además Epstein pensaba que tanta personalidad le quitaba atención al grupo. Finalmente la portada salió como estaba pensada y además de no dar problemas se hizo muy popular.

♫ Por primera vez en la historia del pop, son capaces de transformar al pop en objeto de culto. En 13 canciones, llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en este álbum. El hecho de que se de esa fusión de géneros en un solo álbum, y además tan inusuales, lo hacen un disco de referencia para la historia de la música.

♫ El disco también destaca por la gran cantidad de instrumentos que aparecen en él. Dentro de esto es necesario destacar dos aspectos fundamentales.

•Primero de todo que la mayoría de instrumentos los tocan ellos. De hecho, según The Beatles Book, una publicación mensual de la época, comentaba lo siguiente: ahora los Beatles tocan muchos más instrumentos. Actualmente pueden contarse catorce guitarras, una tamboura, un sitar, un órgano Vox de doble teclado y la batería Ludwig de Ringo. Además de varios pianos y órganos facilitados por EMI.
•Lo segundo que cabe destacar es la variedad de instrumentos tocados y la idea de meter instrumentos orientales en canciones de pop. Así se pueden escuchar a lo largo del disco instrumentos como la tamboura - laúd sin trastes de largo mástil con cuatro cuerdas de alambre tocadas con los dedos, que se utiliza para proporcionar el acompañamiento de zumbido en la música hindú, -el sitar- instrumento indio de largo mástil, parecido a una guitarra, con trastes movibles, de tres a siete cuerdas, y diez o más cuerdas afines, el Swordmandel - instrumento hindú parecido a la cítara -, la Tabla - par de tambores de cobre recubiertos de piel, utilizados en la música del norte de la India, en los que el parche de la mano izquierda (bajo, o bonya) es mayor que el otro (tenor)- o el Dilruba - instrumento hindú, de largo mástil, con tres o cuatro cuerdas principales y algunas cuerdas afines, que se toca con un arco-.



2. Antecedentes

Todos los estudiosos de la creatividad están de acuerdo en que si no hay un producto no podemos hablar de creatividad, ya que éste es fundamental para el análisis posterior, el cual nos indicará si realmente es creativo o no lo es. Pero centrarse únicamente en el producto es un error. Normalmente se ve el producto enteramente vinculado a la persona que lo crea sin ver más allá. En mi opinión esto es algo que simplifica en exceso el estudio de la creatividad como proceso.

Así, según Csikszentmihalyi (1998):

«Debido a que estamos habituados a pensar que la creatividad comienza y acaba con la persona, es fácil que pasemos por alto el hecho de que el mayor acicate de la creatividad puede proceder de los cambios que se realicen fuera del individuo.»

Con esta afirmación desmitifica el hecho de ver a la persona como la única responsable del producto creativo; por eso, y siguiendo la Teoría de Sistemas, en la que basa su propio modelo; es necesario un complejo compuesto por tres factores: persona, campo y ámbito.

Una persona aporta una novedad al campo simbólico y un ámbito de expertos reconoce y valida esa innovación, incorporándose a las reglas simbólicas de ese campo. Es el equivalente cultural del proceso de cambios genéticos que dan como verdadero resultado la evolución biológica.

Por tanto, siguiendo el modelo triangular de Csikszentmihalyi podríamos analizar los tres factores de la siguiente manera: primero de todo la personalidad del creador, en este caso de cuatro creadores – Persona - , que aportan una obra (que también estamos analizando) a una sociedad – Campo- en un cronotopo determinado, y que, inevitablemente es juzgada por músicos contemporáneos a ellos – Ámbito-.

Por otro lado Gruber, afirma que debemos de ver el proceso creativo desde una perspectiva global, viendo el detalle de cada idea relacionado con la obra final, de lo particular a lo general. Hay que ver la serie de ideas y como se entrelazan entre sí para dar lugar al producto analizado.

Desde un punto de vista psicológico, Gruber nos dice:

«El que un individuo se ocupe en más de un tarea le permite proseguir su trabajo en un frente cuando se ve forzado a detenerse en otro. Cuando esas tareas están relacionadas, el progreso en una de ellas puede permitir avanzar a la otra». Gruber, H. (1984)


Csikszentmihalyi, al igual que Gruber, piensa que el proceso creativo no es lineal, sino recurrente, y de distintos tipos según los temas de que se trate. A veces, una idea creativa incluye una intuición profunda y un número incalculable de otras menores. Otras veces, la intuición básica puede aparecer paulatinamente, en destellos separados e inconexos, luego de una larga incubación, lo cual se corresponde con uno de los hallazgos principales del trabajo de Gruber (1984), la creatividad lleva tiempo y esfuerzo.

Por tanto, los factores que llevaron a la creación de la obra - antecedentes- así como los que se sucedieron de ésta - consecuentes- además del seguimiento de las distintas ideas que trabajaban en paralelo, serán lo que, desde esta teoría de sistemas, analicemos para explicar el proceso creativo que llevó a su construcción.

2.1 ANTECEDENTES SOCIALES: Campo

Nos encontramos en el año 1967. Estamos en una época donde los conflictos bélicos abundan – Guerra Fría, Crisis de los Misiles, movimientos revolucionarios en Latinoamérica alentados por el ejemplo de la revolución cubana, etc...-, pero lo que sucede alrededor de la guerra de Vietnam marcará a una generación de jóvenes revolucionarios sin precedentes. Me refiero al movimiento de contracultura de los años 60 llamado hippie. Esta década fue marcada inevitablemente por este movimiento propagado por unos jóvenes que adoptaban un modo de vida comunitario o estilo de vida nómada, que renegaban del nacionalismo y sobretodo de la Guerra de Vietnam. Tomaban aspectos de religiones como el budismo, el hinduismo y también de las religiones de los indios norteamericanos tan desprestigiados en esa época. Los jóvenes intentaban abrir sus mentes a cualquier precio, y fieles a sus principios utilizaban todo lo que tenían a su alcance, drogas, música oriental, libros de ideas anarquistas, etc…

Todo el movimiento de la contracultura que utilizaban los hippies, estaba basado en otro que había surgido unos años antes, concretamente después de la Segunda Guerra Mundial, y que pondría los cimientos del movimiento hippie. Se trata de la Generación Beat, forjadores de la identidad inconformista, en la que rechazaban todas las posturas políticas por considerarlas intrínsecamente opresivas y optaron por despojarse de todas las falsas moralidades donde se exaltaba y se celebraba la identidad del individuo como único.

Otro de los movimientos de la época es la Psicodelia. Psicodelia es la adaptación al castellano del inglés psychedelia, un neologismo formado a partir de las palabras griegas psyché, "alma", y délomai, "manifestar". El científico Humphrey Osmond inventó la palabra psychedelic, "que hace manifestarse el alma", para referirse a las drogas comúnmente llamadas alucinógenas, como la LSD. El uso recreativo de este tipo de sustancias desde los años 50 estimuló el desarrollo de un arte psicodélico, sobre todo pictórico y musical, que evoca los efectos de las mismas: sinestesia, alteración de la percepción del tiempo y del sentido de la identidad, etc. A pesar de la tendencia de algunos a aportar demasiadas lecturas a sus textos, no cabe duda de que las drogas impregnaron el espíritu del álbum y que éste había sido liberado por la potencia del LSD, una droga que por entonces ya habían tomado los cuatro Beatles.

La psicodelia alcanza su apogeo en la segunda mitad de los años 60 y primera de los 70. A partir de entonces, pierde notoriedad y es desplazada por otras corrientes culturales, aunque su influencia persiste en múltiples manifestaciones contemporáneas, siendo especialmente obvia en la publicidad, el video-clip, el cine y la música pop de vocación underground.

Por tanto, el mundo está sumido en una lucha continua y no puede deshacerse de el simple hecho de la acción-reacción, es decir, ante todas esas acciones bélicas, independencias y revoluciones, está el grupo de las reacciones, el movimiento hippie y su contracultura, los pacifistas, la revolución de las mentes, de la paz y del amor.

Puede decirse en gran medida, que, producto del ambiente desinhibido del Londres de mediados de los años sesenta, el álbum se convirtió en la banda sonora del florecimiento del movimiento hippie en Estados Unidos, durante su "Verano del Amor”.

2.2 ANTECEDENTES MUSICALES: Ámbito.

La música de The Beatles, aunque es vista como una creación original y altamente innovadora, está basada en cientos de discos que los muchachos escuchaban desde su infancia. No se puede entender la música del grupo sin saber lo que escuchaban, lo que les gustaba, influenciaba, y en cierta manera copiaban y transformaban adaptándolo a su estilo.

Los antecedentes musicales de The Beatles son numerosos y cambiantes a lo largo de su historia como formación musical, por lo que es necesario establecer unas etapas cronológicas hasta el nacimiento del Sgt. Peppers.

•Primera etapa: Pre-beatle. El escenario de la música norteamericana a principios de la década de los 50 era prometedor, ya se estaban gestando nuevas tendencias, desde el sur estaba naciendo una música que años más tarde revolucionará el mundo. Esta música fue el Rock & Roll, un género musical que, aunque inicialmente fue aceptado mayormente por la comunidad negra, a la otra parte del océano, en Liverpool, existían un par de jóvenes que estaban ávidos de escuchar esos discos. No era fácil, tal y como dice Harrison en el Anthology vol.1: “intentabas escuchar el disco del momento, pero ni se podía conseguir una taza de azúcar, imagina un disco de rock”. Pero la verdad es que de una manera o de otra lo conseguían.
Por ese entonces las principales influencias para los muchachos era la música negra que llegaba desde el sur de Estados Unidos. John y George sentían una predilección por artistas que venían de la escuela del Blues, ChucK Berry y Little Richard por nombrar algunos. Paul tenia preferencias de música blanca, artistas como "Bill Haley & His Comets", con mucha influencia de jazz y del country. También nombra a Fats Domino como uno de sus artistas preferidos. Unos años más tarde, un evento sin precedentes llegaría a sus vidas al fusionar la música negra con la blanca, se trata de Elvis Presley. McCartney se refería así a este momento histórico: recuerdo estar en la escuela cuando era pequeño, vi una foto de Elvis en una de las revistas musicales... era un anuncio publicitario de “Heartbreak Hotel”, al verlo pensé que era muy atractivo, parecía prefecto. En ese preciso momento pensé, aquí está, el Mesías que esperábamos ha llegado. Por otra parte John se refería al mismo suceso: “cuando yo tenía 16 años Elvis era el cantante de moda, un tipo de pelo largo engominado moviendo el culo y cantando “Hound Dog”, “That’s all right mama” y todos esos éxitos de su mejor época”.


Otra de las influencias en sus inicios fue Buddy Holly, sobretodo, y como dice Paul: “nos encantaba su voz y forma de tocar la guitarra, pero lo que más nos gustó fue que él escribía e interpretaba sus propias canciones”.


Artistas como Chuck Berry, Little Richard, The Crickets, Eddie Cochran o Gene Vincent & His blue caps, fueron los que acabaron de marcar los inicios de estos jóvenes que no muchos años después revolucionarían la música popular.

•Segunda etapa: primeros trabajos. Con todo el peso musical que llevaban acumulados de su época pre-beatle, los chicos hacen sus primeros tres discos con un gran éxito de crítica y ventas. A partir de ahí se meten en una gira por los Estados Unidos que les dejará exhaustos. Pero es hora de cumplir con el contrato discográfico y el estrés y el agotamiento de la gira se hacen notar. Por eso el cuarto disco, Beatles for Sale, es un disco forzado, grabando 6 temas de otros artistas y tan solo 8 de Lennon-McCartney, lo que prueba que ni siquiera tuvieron tiempo de componer un álbum completo. Es ahí cuando sus canciones empiezan a alejarse de las letras convencionales para conseguir otras más complejas. La influencia de Bob Dylan puede ser ya vista en este trabajo, sobretodo en el segundo corte, I’m a Loser donde John demuestra que empieza a tener pensamientos más profundos en sus canciones.
En su sexto trabajo, Rubber Soul, también se hace evidente la sombra de Dylan, se puede apreciar en temas como Bringing it back, aunque también encontramos influencias de The Byrds – If I need someone-. En esos momentos hay una explosión de grupos en Estados Unidos e Inglaterra como los Rolling Stone, The Hollies, The Kinks, Beach Boys o The Zombies, que prácticamente competirán unos con otros influyéndose mutuamente a lo largo de unos años.

•Tercera etapa: hacia el Sgt. Peppers. Ya desde su sexto trabajo – Rubber Soul - The Beatles dejan claro que avanzan en una dirección concreta, que no piensan estancarse en canciones de amor para adolescentes y que su evolución es algo que avanza en paralelo con una sociedad revolucionaria, ávida de conocimiento exótico y de apertura mental. Tres son las influencias musicales más directas que acabaron por incidir en The Beatles para la realización del álbum.
•En primer lugar, la psicodelia está presente y, aunque el Sgt. Peppers se convertirá en el álbum introductor de las corrientes psicodélicas en la cultura inglesa pop, otros grupos habían utilizado ya aspectos de esa cultura. Los primeros músicos influenciados por la psicodelia pertenecían a corrientes jazzísiticas y folk. El primer grupo que hizo uso del término psicodélico en la música popular fue The Holy Modal Rounders, una banda de acid-folk. Pero el primero en hacerlo en un contexto de rock se le atribuye a la banda 13th Floor Elevators. Grupos como Pink Floyd o Grateful Dead se dejarán influenciar por esta tendencia.
•La segunda influencia en esta etapa son discos de sus coetáneos que marcaron de manera eficaz su capacidad de composición. Dos discos destacan por la influencia musical que causarían, y los dos en el mismo año, 1966. Uno de esos discos fue el Pet Sounds –de los Beach Boys. En agosto de 1980 McCartney hablaba sobre este disco: “Creo que la gran influencia sobre Sgt. Pepper fue el Pet Sounds de los Beach Boys. Aquel álbum me alucinó. Sigue siendo uno de mis álbums preferidos: su inventiva musical es increíble. Ahora se lo pongo a mis hijos y les encanta. Cuando lo oí, pensé: 'Madre mía, éste es el mejor álbum de todos los tiempos. ¿Que demonios vamos a hacer? A partir de allí empezaron a venirme las ideas". El otro es el Freak Out de Frank Zappa. A lo largo de las sesiones de Sgt. Pepper, Paul McCartney no dejaba de decir: 'Este es nuestro Freak Out'”.
•Por último, la tercera influencia fue la música hindú. Unido al movimiento hippie y de la psicodelia, la música hindú era algo que se estaba poniendo de moda, y, como veremos más adelante, George se interesó mucho por este tipo de cultura incluida la música. La música de Ravi Shankar fue una de las más grandes influencias en lo que a la música hindú se refiere. Aunque la primera vez que se escucha rasgos de esta música es en el disco Rubber Soul – 1965-, no es hasta el Sgt. Peppers cuando su potencia llega a su máximo esplendor.
2.3 ANTECEDENTES PERSONALES: Persona.

Aunque The Beatles era un grupo, las personas que lo constituían eran cuatro, y por tanto cuatro personalidades distintas, que interactuaban entre ellos, dando lugar a una serie de combinaciones a lo largo del tiempo. Además de todo eso no todos participaban con el mismo interés en el proyecto. Ahora recogeré las líneas más directas que influenciaron a cada uno de ellos a nivel personal, relacionándolo con el resultado visible en el álbum.

•John Lennon

Desde finales de 1965 las composiciones de Lennon con McCartney ya no eran tan equilibradas. Al contrario que Paul, el cual sigue componiendo canciones de amor, John se hace más político y más satírico en sus letras.

Nowhere Man, del álbum Rubber Soul (1965), trata asimismo de la alienación, incluso si no está situada en el mundo del trabajo o del poder, pero amonesta por su pasividad a quienes se permiten ser invisibles para pasar inadvertidos y los urge (a ellos y a todos nosotros, "¿acaso él no es como tú o yo?") a que tomen el control del mundo que los rodea.

En 1966 conoce a Yoko Ono, la cual se convertirá en la gran influencia de John hasta la muerte. A finales del 66 estaban ya muy enganchados a las drogas y empieza el declive que llevará a la separación del grupo que durará hasta 1970. Yoko le influencia en su música y más allá de ésta. Es cierto que en Sgt. Peppers aún no se ven cosas extrañas como luego en discos como el álbum blanco o en los trabajos en solitario de John y Yoko, pero está claro que es una persona importante por su influencia en este álbum.

En I’m Only Sleeping, de Revolver (1966), Lennon habla otra vez de nuestras vidas precipitadas y exhibe sin reparos su pereza (los socialistas promueven "el derecho a la pereza", en contraposición con el "derecho al trabajo" de los capitalistas).

Para entonces, la influencia de Yoko Ono ya se hacía sentir en su música y en sus acciones. A pesar de que ella a menudo ha sido retratada como una influencia negativa en su vida, un estudio de aquel periodo sugiere lo contrario, es decir, que de verdad le proporcionó la influencia intelectual, política y estética y el permiso que necesitaba para llegar a la plenitud de su potencial creativo.

En los álbumes Sgt. Pepper’s y Magical Mystery Tour (ambos de 1967), las letras de John Lennon empezaron a volverse cada vez más surrealistas (I Am The Walrus) bajo la influencia de las drogas, la cultura oriental y una obvia liberación personal, reflejada en esta declaración artística.